Artefact, École de théâtre à Paris
c’est…

Pièce centrale de l’enseignement, le théâtre est essentiellement abordé chez Artefact sous la forme d’ateliers de création de spectacles. Au bout des trois ans de formation, les élèves comédiens auront joué dans pas moins de sept spectacles différents, à l’école, à la Comédie de Paris, au palais des glaces, au festival d’Avignon, explorant des théâtralités très différentes et des dispositifs scéniques variés (frontal, bifrontal, circulaire…), et auront validé les compétences essentielles de la panoplie technique de l’acteur : mettre son corps en jeu, mobiliser ses émotions personnelles, prendre en compte le partenaire concret, mobiliser son énergie dans le relâchement, faire appel à ses capacités d’invention, faire des mots de l’auteur les siens propres.

Partie importante du parcours de deuxième année, le module de cinéma propose d’abord d’explorer les spécificités du jeu de l’acteur pour la caméra, par le biais de nombreux exercices puis de scènes dialoguées, dans un va et vient constant entre tournages et visionnages commentés des travaux précédents.
La deuxième partie du module se consacre à l’écriture collective d’un film, par strates successives d’improvisations, puis aux répétitions et enfin au tournage du film, dans les conditions d’une équipe professionnelle avec notamment la présence d’un chef opérateur image et son. Depuis l’écriture jusqu’au tournage, les acteurs participent à toutes les phases de la construction d’un film.

Plus court chemin vers la vérité scénique, l’improvisation est un outil indispensable et omniprésent à Artefact. Le recours à l’improvisation est chez nous quasi systématique pour décrypter les situations sans s’encombrer dès le départ de la rigueur du texte, et pour chercher, par la spontanéité qu’elle autorise, à faire émerger les réactions vraies et les personnalités uniques, loin des schémas figés.

L’objectif du parcours de danse, c’est d’abord de s’approprier son corps pour en faire un outil central du jeu théâtral, d’apprendre à utiliser le corps comme moyen de communication privilégié avec les autres et avec soi-même pour ressentir, exprimer et transmettre des émotions.
Les danses abordées : jazz, modern jazz, contemporain, classique, rock, valse, salsa, improvisation musicale.

L’indispensable exploration du domaine vocal se fait d’abord par la compréhension des éléments de la mécanique respiratoire et le l’anatomie du système phonatoire. Alternant moments collectif et passages individuels, le travail se fait autant a capella que sur accompagnement.
Les objectifs essentiels du parcours : travail de l’oreille (chanter ou parler juste c’est d’abord entendre juste), maîtrise de la voix parlée (trouver sa voix), maîtrise du corps comme instrument.

Formidable moyen d’aller vers le lâcher-prise, le module de clown propose de faire découvrir à chaque participant la nature clownesque qui est en lui. Au travers des nombreux exercices et improvisations, l’objectif est d’ouvrir l’imaginaire, de se rendre disponible, de fortifier les intuition, de conquérir et de forger la spontanéité.
Les enjeux abordés : les états, les énergies et le timing, les émotions et les réactions, l’urgence, le conflit, le « bide » et le triomphe, la conviction et la sincérité, l’écoute, le rapport à l’espace, le rapport au sol, le rapport au public, le rapport au partenaire, le Slapstick (les gags accidentés).

Ce module a pour objectif le développement de la capacité de construction de personnages et d’analyse de textes.
L’acquisition d’outils de différents horizons, comme autant de portes d’entrée d’une œuvre.
La compréhension du fonctionnement émotionnel et sociologique de l’être humain, afin d’appréhender les personnages de façon à la fois globale et précise, le déploiement de la curiosité et de la capacité de réflexion.
Libérés de la pression du plateau, les cours deviennent des espaces de questionnements autour des problématiques liées au jeu.

L’ utilisation de la sophrologie comme méthode de connaissance de soi, de gestion du trac, de développement de l’imaginaire accentue la dimension de co-création au sein du groupe et offre l’opportunité d’une exploration personnelle non directement liée au travail d’acteur.

L’objectif du module est de pouvoir se situer dans le paysage théâtral, de la préhistoire à notre époque, en s’initiant ou en approfondissant ses connaissances de chaque mouvement, chaque approche ponctuant l’histoire.
Savoir capter ce qui se cache d’intéressant derrière les grands noms de notre art, en quoi leur influence est pertinente, est essentiel : un artiste interprète, s’il veut rester libre et créatif ne peut ignorer ce qui l’a précédé.